INNOCENTE

Avez-vous eu la liberté d’apporter des changements au rôle ? 

Sagamore Stévenin : J’aime bien que le sport soit collectif. Le scénario, c’est une direction, celle d’un réalisateur et d’un auteur. C’est un peu comme un équipage, en voile. On vire de bord, on passe des bouées. Après, tout dépend de la façon de prendre le vent. Ce qui m’a intéressé dans le scénario, c’est que c’est un film choral avec beaucoup de personnages. J’aime bien m’appuyer sur les autres. Quand on commence à avoir une vision d’ensemble des personnages et du film, cela permet d’aller chercher des détails. En France, on est un peu trop dans l’explicatif, avec des didascalies énormes pour la présentation des personnages. Ce qui fascine dans le cinéma anglo-saxon, c’est qu’à travers trois détails on comprend tout du personnage. Pour trouver ce genre de détails, il faut beaucoup travailler pour embarquer le téléspectateur. Il y a deux sortes de films : ceux où on monte dans le train, et d’autres où on le regarde passer. J’ai tendance à m’investir dans ce qu’on appelle, au théâtre, « le travail à la table ». C’est-à-dire lorsque tout le monde se met autour d’une table pour affiner, réduire, rendre les dialogues plus denses. Ce personnage de Combas est le carrefour de toute la narration : d’une époque, de l’enquête, de ses rapports avec Roxane ou Sabine. Il est le « résumé » de toute l’affaire. Mais j’ai essayé, avec le réalisateur, de condenser cela. J’ai, par exemple, tenté d’apporter des failles, comme cette idée d’enfant disparu qui le hante. Je propose et le réalisateur dispose... Voilà ce qui me fait rêver... Rêvons ! On pioche, on élimine. Quand les acteurs commencent à s’emparer de leur personnage, c’est bien de les laisser respirer et de les laisser grandir.

Parlez-nous de la collaboration avec le metteur en scène Lionel Bailliu.

S. S. : Il est très à l’écoute. Très cérébral. Lorsqu’on va lui parler sur le plateau, il faut avoir bien réfléchi à sa proposition. Avec mes précédents rôles, j’ai acquis une certaine liberté de jeu. Je sais où je dois commencer, où je dois finir, mais au milieu il faut que je navigue, parce que je ne sais pas répéter huit fois de suite la même prise. Mon instinct est d’aller chercher l’accident, le provoquer... D’être à l’écoute des partenaires pour pouvoir aller chercher des choses en eux. J’ai toujours pensé que c’étaient les autres qui vous rendent bon. « Jouer ensemble », « travailler ensemble »…

Au cours du tournage, j’ai proposé des choses à Lionel. Après, je me suis dit « Arrête de proposer, fais-le ! ». Pour garder une certaine liberté de création. C’est un peu comme l’improvisation : si on a beaucoup bossé avant, on peut se le permettre, car on sait où l’on va. J’aime bien avoir des moments d’improvisation, déstabiliser un peu mes partenaires. Casser un rythme, changer de ton, de déplacement, sortir du cadre... Juste parce que cela met dans l’œil de l’autre un truc auquel il ne s’attendait pas. C’est ce qui est bon. Il faut se laisser porter par son cœur. Être généreux et sincère. On a alors peut-être une chance de toucher le téléspectateur. Je me méfie des artifices de jeu. Ce sont les Belges qui m’ont appris ça, notamment Olivier Masset-Depasse [réalisateur du film Cages – ndlr], qui disait : « Dans le jeu anglo-saxon, les gens disent le contraire de ce que leur corps exprime »... Par exemple, on peut jouer la colère froide, plus forte que la colère extériorisée.

Les séries, c’est un sport de guerrier, un sport de tous les jours. Il ne faut rien lâcher de ces petits moments de vie qui mis bout à bout font la qualité du projet. Je ne pense pas à ce qui va marcher ou pas, mais plutôt à : « Est-ce que je suis fier d’avoir fini cette journée de tournage ? » Pour moi, c’est ce qui est essentiel.

 Propos recueillis par Yannick Sado